Amiga íntima de Maria Zambrano y Concha Méndez, con las que compartía afinidades intelectuales e inquietudes estéticas y vitales, Maruja Mallo escandalizó al Madrid de los años 30 al recorrer su calles de noche, acompañada de hombres y con la cabeza descubierta, algo impensable en la época. Eran los años en que Maruja creaba su propio lenguaje artístico, basado en el arte popular, en el cine, y en los ecos de las vanguardias (futurismo, surrealismo) que empezaban a llegar a España.

Aunque nació en Viveiro, Lugo, el año 1902, cursó sus primeros estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Avilés, Asturias, donde había sido destinado su padre, funcionario de aduanas.  A los 20 años, becada por la diputación de Lugo, se matriculó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde estudió hasta 1926.  Allí conoció a los jóvenes poetas y artistas que más tarde formarían la Generación del 27, en cuyo grupo se integró como una más.  Colaboró especialmente con Rafael Alberti, con quien formó pareja sentimental hasta que el poeta conoció a María Teresa León; Mallo fue la creadora de los decorados del drama Santa Casilda, escrito por el poeta.

Por entonces Maruja, que formaba parte de la denominada Primera Escuela de Vallecas, con Alberto Sánchez y Benjamín Palencia,  entre otros,  realizaba una obra en la línea de la nueva objetividad o realismo mágico; de esta primera época son sus series  Verbenas y Estampas (divididas en populares, deportivas, de máquinas y maniquíes y cinemáticas) y otras obras en las que pintaba temas recurrentes a la modernidad, como por ejemplo Elementos de deporte o La ciclista. En la primavera de 1928, José Ortega y Gasset le ofreció los salones de la Revista de Occidente para realizar su primera exposición, que fue todo un éxito, y la introdujo en su selecto círculo.

En 1932 viajó a París con una pensión de la Junta de Ampliación de Estudios para estudiar escenografía.  Allí conoció a René Magritte, Max Ernst, Joan Miró, Picasso, Giorgio de Chirico y, sobre todo, a André Bretón.  En contacto con los surrealistas, su pintura adquirió maestría, tanto que el mismo Bretón le compró el cuadro Espantapájaros, obra que hoy es considerada una de las grandes obras del surrealismo. 

 Su vuelta a Madrid supuso un nuevo giro en su estilo. Entró en contacto con el Grupo de Artistas de Arte Constructivo, adoptó la sección aurea como base de sus trabajos, formuló nociones como la matemática viviente del esqueleto y, en correspondencia con los principios del constructivismo, mostró su interés por la creación de un lenguaje universal basado en los principios de la geometría, lo que incluso la llevó a cursar estudios de matemáticas.  Son los años de sus series Arquitecturas minerales, inspiradas en piedras, y Arquitecturas vegetales, llenas de frutas extrañas. 

También participó activamente en la Sociedad de Artistas Ibéricos. Comprometida con la República, y fiel a los postulados de la acción social, en esos años combinaba su trabajo artístico con una triple dedicación docente como profesora de Dibujo en el Instituto de Arévalo, en el Instituto Escuela de Madrid y en la Escuela de Cerámica de Madrid, para la que diseñó una serie de platos que, por desgracia, fueron destruídos durante la guerra. Además, dibujaba viñetas para la Revista de Occidente y otras publicaciones.

En 1935 colaboró con el poeta Miguel Hernandez creando los escenarios para el drama Los hijos de la piedra, inspirado en los sucesos de Casas Viejas y Asturias.  También realizó por entonces una serie de bocetos de escenografía y figurines conocidos como Plástica escenográfica para la ópera Clavileño, de Rodolfo Halffter, que no llegó a estrenarse, y fue seleccionada para una exposición de surrealismo internacional en las New Burlington Galleries de Londres.

Cuando estalló la Guerra Civil, Maruja Mallo estaba en Galicia con las Misiones Pedagógicas.  Tras unos meses, viajó a Lisboa, donde fue acogida por su amiga Gabriela Mistral, entonces embajadora de Chile en Portugal.  Allí recibió una invitación de la Asociación Amigos del Arte para dar una serie de conferencias con el tema de Lo popular en la plástica española a través de mi obra (que después se convertirían en un libro, publicado en 1939) en Montevideo y Buenos Aires. 

 El 9 de febrero de 1937 llegó a Buenos Aires, donde vivió veinticinco años, hasta la instauración del peronismo, en 1962, en que se trasladó a Nueva York.  En Argentina, Maruja tuvo un amplio reconocimiento.  Empezó a pintar retratos de mujeres, cuyo estilo es precursor del arte pop estadounidense, y también su étapa cósmica, en la que recreaba la naturaleza sudamérica.  De esa época son la Serie Marina, armonías lunares, en colores plata y gris, y la Serie Terrestre, armonias solares, en ocres  dorados.  También pintó entonces la Serie de Cabezas y Máscaras, cuadros inspirados en cultos afro-américanos, como el vudú. 

Sin embargo, los años comprendidos entre 1945 y 1957 Maruja Mallo realizó muy pocas exposiciones y apariciones públicas.  En este período de su vida se dedicó a diseñar, a pintar y, sobre todo, a viajar. Visitó países como Uruguay, Bolivia o Brasil, aunque fue su estancia en la isla de Pascua, donde fue con Pablo Neruda, la que más influyó en su obra posterior, caracterizada por el esoterismo.  También estuvo en Nueva York, donde conoció a Andy Warhol.

En 1964, tras veinticinco años de exilio, regresa a España, pero sus contemporáneos están muertos o en el exilio y la que fuera una de las grandes figuras del surrealismo de preguerra es casi una desconocida en su tierra.  Aún así, se instala en la calle Claudio Coello, dibuja de nuevo la portada de Revista de Occidente y, ya en los años 70, empieza su última étapa pictórica -cuya obra más famosa es Los moradores del vacio (1979)- y una serie de ocho litografías, homenaje a la Revista de Occidente. Su obra artística es cada vez más valorada, especialmente por la crítica más joven, que ve en ella la encarnación de una vanguardia oculta por el franquismo.

Con la muerte de Franco llega su reconocimiento y culminación con la Medalla de Oro de Bellas Artes, que le fue otorgada en 1982, una exposición antológica que le dedica, en 1993, el Centro Gallego de Arte Contemporáneo y el Premio de Artes Plásticas de Madrid. 

Murió en la residencia de ancianos Menéndez Pidal de Madrid el 6 de febrero de 1995, con 93 años de edad.

El arte de Robert Delaunay (1885-1941), francés, y Sonia Terk (1885-1979), rusa ucraniana, no fue muy bien apreciado en su tiempo, incluso ni entre sus colegas más o menos afines.

Se conocieron en 1907 a través del primer marido de Sonia, el coleccionista y marchante alemán Wilhem Uhde. En la galería de éste expone por primera vez en 1908. Tras el divorcio de Uhde contrae matrimonio con Robert Delaunay en 1910. En 1911 tuvieron su único hijo, Charles.

Exponen juntos en Berlín en 1913, y en 1914 en el Salon des Indépendents, de París. Pinta Contrastes simultáneos y Prismas eléctricos. En el verano de 1914 van de vacaciones de verano a Fuenterrabía, con su hijo y la madre de Robert. Les sorprende la guerra europea. Se instalan en Madrid medio año y después en dos pueblos de la costa del norte de Portugal, hasta 1917. Pintan de nuevo figurativo, naturalezas muertas.

En 1917 viajan a Barcelona y allí conocen el comienzo de la Revolución rusa, que ellos celebran, aunque pierden las rentas de las propiedades de la familia Terk en San Petesburgo. Es Robert quien se ocupa entonces de los negocios. En esos años en Madrid pasan un tiempo los que huyen de la guerra, como los Ballets rusos de Diaghilev, Nijinsky.

Hace Sonia proyectos de trajes para el ballet Cleopatra, que tendrá gran éxito en Londres. Conocen a Ramón Gómez de la Serna, el intelectual más moderno en Madrid. Como se ven en necesidad de ganar dinero Sonia hará decoración de interiores. Decora el teatro de variedades Petit Casino, de Madrid.

Abre una tienda de elementos de decoración, que ella misma hacía a partir de otras cosas del Rastro, etc. Tiene éxito entre cierta aristocracia.

Crea pintura de habitaciones, telas para vestidos, sombrillas, pañuelos. Abre tienda también en San Sebastián, donde exponen en el salón de la Asociación de Artistas vascos, y en Barcelona. En 1921 abrirá su tienda en París.

Sigue creando vestidos simultáneos, vestido poemas, y diseña vestuario de películas. Entre 1930-35 vuelven a la abstracción. En 1938 decoran el Salon des Tuilleries.

Su casa es sitio que atrae a alumnos y se reúnen tertulias de artistas. Robert muere en 1941.

Sonia Delaunay decora el edificio de la Cruz Roja en Ginebra. Y hasta 1979 sigue su actividad pictórica, en el grabado y la serigrafía, en el diseño textil y en la promoción de la obra de su marido y la suya. Su trabajo se caracteriza por una reconstrucción de la forma sólo por el color.

Dona su obra gráfica al Louvre, es la primera mujer que ve expuestos sus cuadros en ese museo. Muere en diciembre de 1979.

En el extremo sur del Grant Park de Chicago, 106 esculturas de hierro se despliegan en un espacio de extensión sorprendente.

La instalación presenta un grupo de figuras humanas, que se acercan y se alejan entre sí, en una comunicación que interactúa con el observador y lo invita a participar y a mezclarse al grupo escultórico, pasando a ser parte activa de esa aglomeración… ÁGORA es su título.

Cada una de estas figuras de hierro, parecen moverse en una dinámica gestual que sugiere discusión, preocupación, argumentación, concentración. Recordando a la antigua Grecia, como su título lo insinúa, estas figuras nos transportan a una representación de lo colectivo… metáfora de ideas compartidas de todo un pueblo, de toda una civilización, que se plantea inquietudes comunes, reuniéndose en un lugar público para la discusión.

Este bosque de torsos humanos en actitud motora, son individuos iguales en su forma, pero diferentes en su textura, en su piel, en su individualidad.

Su superficie trabajada mano a mano por la escultora y su equipo, presenta una rugosidad de corteza de tronco de árbol, que nos transporta a la naturaleza, al bosque, y al ágora al mismo tiempo; analogía orgánica que evoca la vida y la supervivencia, basada en la comunicación.

Esta agilidad manual es trasladada posteriormente a superficies duras, buscando el desafío de transmitir la energía creativa experimentada por la escultora, repitiendo la acción una y otra vez, creando así el espacio para sus “abakans” en la multitud, sin olvidar la singularidad de cada pieza.

Nacida en Falenty (Polonia, 1930), su madre era polaca y pertenecía a la aristocracia terrateniente; mientras su padre tenía ancestros polacos, rusos y tártaros, que datan de Abaka-Khan, el líder de una gran tribu mongola. Con la invasión rusa, ella y su familia se vieron forzados a huir de su hogar y finalmente a mudarse a Gdansk. Entre 1950 y 1954 estudió en la Academia de Bellas Artes de Varsovia y comenzó su carrera como pintora.

Su obra evolucionó desarrollando, en primer lugar, relieves que dieron paso al volumen posteriormente. A mediados de la década de los años setenta, construyó sus primeras figuras/maniquí, composiciones hieráticas, sin cabeza, hechas de fibras de sisal y yute, piezas que remiten a la obra de Giacometti y Fontana y que constituyen un claro exponente de sus figuras de bronce posteriores.

Como ella misma dice: “Mi trabajo viene de la experiencia de las multitudes, la injusticia, y la agresión…siento una afinidad por el arte cuando éste esta hecho a partir de la existencia, como cuando los chamanes trabajaban en un campo entre los hombres y los poderes desconocidos… he intentado hechizar a la multitud”.

La obra de Abakanowicz se ha podido contemplar en más de 150 exposiciones en Europa, EEUU, Sudamérica, Japón, Corea del Sur, y Australia. Ha tenido grandes muestras en el Metropolitan Museum de Nueva York, los Jardines del Palais Royal de Paris y el Museo Narodowe en Poznan. Sus obras se encuentran en muchos museos de todo el mundo.

 Nacida en Sun Prairie (Wisconsin), en una familia de granjeros, estudió en la Escuela de Arte del Instituto de Chicago, en el Art Studen League de Nueva York y en la Universidad de Virginia en Charlottesville. Después ejerció como profesora de arte en Amarillo (Texas) y en Carolina del Sur.  En esa época, influenciada por el trabajo de Picasso, experimentó con el dibujo al carbón, con amplios trazos en línea recta, ondas, diagonales y vórtices rítmicos por todo el papel. 

Mientras estaba en Carolina del Sur una amiga suyo mostró algunos de sus trabajos a Alfred Stieglitz, entonces dueño de una famosa galería de arte neoyorquina conocida como la 291, quien los incluyó en una exposición que organizó la primavera siguiente. Como no le había pedido permiso para hacerlo, O’Keeffe fue a verlo para que los retirara, pero en vez de hacerlo así, Stieglitz organizó al año siguiente la que sería su primera exposición individual y terminó convirtiéndose en su marido.

Stieglitz fue muy importante en la vida de Georgia O’Keeffe;  no solo logró su reconocimiento como pintora gracias a su apoyo, sino que ambos establecieron una relación simbiótica y turbulenta.  Durante mucho tiempo, O’Keeffe fue más conocida por los cerca de 300 retratos y desnudos fotograficos realizados por su compañero que por sus propias obras, empañadas por los prejuicios contra el arte femenino, de tal manera que en muchos ensayos pictóricos o históricos en los que se les menciona como prototipo de pareja de artistas del siglo XX, el papel de O’Keeffe se reduce a poco más que el de una musa que además pintaba.

Tras su matrimonio, O’Keffe pintó su primera obra de gran formato con motivos florales y también sus obras más preciosistas, como las vistas de las calles de Nueva York desde la ventana de su apartamento, con paralelismos con las fotografías de Stieglitz y su énfasis en modelos abstractos de paisajes, parajes naturales y formaciones de nubes. 

En 1929 hizo un viaje con un amigo a Taos, en el desierto de Nuevo México.  El paisaje inabarcable con su atmósfera clara y su luz intensa la fascinó, hasta el punto de que hasta la muerte de Stieglitz, en 1946, alternó estancias en Manhattan y en el desierto.  Después, se instaló permanentemente allí y siguió pintando hasta 1972, cuando empezó a perder la vista. 

Sus paisajes de Nuevo México, su composiciones con cráneos de animales y cruces de madera, se consideraron representaciones del salvaje oeste, el gran mito norteamericano.  Además, O’Keeffe, al contrario que otros artistas, que en cuanto podían viajaban a Europa para beber en las fuentes de los clásicos y estar en contacto con las vanguardias,  no salió de los Estados Unidos hasta que fue anciana. Por eso se la considera la primera artista puramente estadounidense.  

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La obra de Tamara Ávalos propone arquetipos que visualizan a hombre y mujer como un par generador de vida. Reinvidica papel de la pareja y explora el cuerpo sin tabús. Parte de una relectura del génesis, la cual deja plasmada en la cerámica.

Reconocida con el Premio Áncora 2005-2006 en artes plásticas por su primera exposición individual, “La hija de Eva” compuesta por 19 esculturas y 18 losetas con dibujos de cerámica.

Ávalos reconoce que cuando le contaron la historia del génesis había algo como que no le sonaba, que le creaba inquietud. ¿Por qué si dos mordieron la manzana, sólo una tiene que correr con toda la responsabilidad?A partir de esta reflexión, la artista se ha dedicado a investigar sobre los arquetipos que utilizaban las culturas prehispánicas para referirse a la mujer, precisamente encontró que muchas la visualizan como un ser que está en contacto con el universo.

En este sentido, las mujeres son seres sexuales que comparte el poder creador de la vida con el varón. De ahí, Ávalos se atreve a hacer una relectura del génesis que se orienta más al binomio de dos seres humanos que construyen a partir de los mitos fundacionales de una sociedad.

A nivel técnico, Tamara Ávalos no trabaja sus piezas con esmaltes, sino con arcillas coloreadas, lo que según dice, le permite la precisión y limpieza gráfica, es decir; que el color quede justo donde ella lo coloca. Además, tienen un acabado bruñido (pulido con piedra), técnicas que forman parte del rescate precolombino que enriquece su trabajo.

Posteriormente,  trabajó y residió en Berlín (Alemania), gracias a haber obtenido las becas Zeiträuma (cultura), de la Fundación Konrad-Adenauer, para la realización  de un proyecto artístico (año 2006) y Leonardo, B2 Magazine, de cultura urbana (año 2007).

Su extenso curriculum incluye varios premios, entre ellos el EAC (ENCUENTROS DE ARTE CONTEMPORANEO), concedido por la Diputación de Alicante; diversas exposiciones colectivas e individuales y colaboraciones en numerosas obras gráficas. Además, fue la coordinadora y comisaria del festival de cultura urbana MODULAR 07 celebrado el pasado año en Berlín.

Pero dejemos que sea ella misma la que nos hable de su pintura…

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