Coco Avant Chanel muestra a la mujer detrás del ícono, básicamente no es una película sobre “la diseñadora de moda” sino de la persona y como revirtió las carencias y abandonos en respetarse y ser fiel a si misma, reflejado claro, en la moda: masculinizar el estilo femenino, libertad a la mujer del corset, apropiarse del color negro y como hacer del menos es más para reflejar estilo y elegancia, alejándose la obstentación.

En el film se la muestra como una cantante de cabaret y con su cabeza siempre en llegar a París, aunque ese paso triunfal fue de la mano de la moda, no como artista. Siempre con una mirada melancólica, Chanel se adaptó y re adaptó su realidad y generó un imperio.

Una película imperdible.

La casa Chanel en el film

“La colaboración de Chanel fue indispensable para nosotros, especialmente para la última secuencia en la que era indispensable tener vestidos Chanel. Rodamos en la famosa escalinata, en esta secuencia, todos los vestidos provienen del Conservatorio de Chanel. Me reuní varias veces con Karl Lagefeld y le mostré los bocetos de las prendas que mi diseñadora, Catherine Leterrier, estaba haciendo. Cuando Karl vió fotos de Audrey Tautou, me dijo que era la única “verdadera Chanel“. Hemos colaborado de una manera muy natural con la maison Chanel pero no influyó en mi enfoque artístico”, relata la directora Anne Fontaine.

Los actores

Personifica a Coco Chanel, Audrey Tautou, de manera genial la actríz se pone en la piel de la estilosa diseñadora con escenas que ejemplifican el estilo Chanel. Cuenta con las valiosas actuaciones de Alessandro Nivola, Boy Capel,  el amor de su vida y quién le facilita todo, Benoit Poelvoorde como Balsan.

Pedazos de tormenta

La escena del vestido negro como protagonista, la soledad ante el éxito, su costurero ante situaciones de cambios, el vestuario del orfanato influenciando en sus diseños, Coco Chanel hizo de sus miserias algo excepcional: un legado.

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Nacida en Zaragoza, en la barriada de las Delicias, en 1926, Carmen Forns Aznar empezó a trabajar muy joven como Carmen de Lirio en los teatros de revista del Paralelo barcelonés, donde hizo furor por su belleza y sus famosos ojos verdes.  Pronto fue galanteada por banqueros, empresarios y políticos, que le regalaban pieles, joyas, apartamentos y cuentas corrientes.  Incluso se comentaba que era amante del gobernador civil y hasta hubo una manifestación de estudiantes que, irónicamente, llevaban un lirio en la mano.

Pronto dió el salto al cine, donde interpretó todo tipo de personajes. A partir de los años 70 intervino en filmes de prestigio, incluso marginales, como La casa de las palomas (1971), de Claudio Guerín; La trastienda (1975) de Jorge Grau; Yo, “El Vaquilla” (1985), de José Antonio de la Loma; Amanece que no es poco (1988), de José Luis Cuerda, o La casita blanca. La ciudad oculta (2002), de Carlos Balagué.

También ha intervenido en series de Televisión Española como La huella del crimen y Las pícaras.   

Son talleres de iniciación, no hace falta experiencia previa, sólo ganas de participar.

Si te gustan los cuentos, los monólogos… sabes que tienes algo dentro de ti que quieres contar… Este es el lugar perfecto para tener los conocimientos y práctica necesarios para subirse a un escenario a contar…lo que quieras.

Próximo taller de cuenta cuentos: 8 y 9 de noviembre del 2008 en Madrid. Plazas limitadas.

Horario: de 10 a 14 y de 15 a 19                Precio 120 euros

Temario e inscripción: http://www.actividadesculturales.es/blog/proximo-taller-de-cuenta-cuentos-8-y-9-de-noviembre-de-2008-en-madrid/

La obra –dirigida por Tamzin Townsend y protagonizada por María Esteve y Roberto San Martín– fue estrenada ayer en el Teatro Lara de Madrid (en el 19 de la Corredera Baja de San Pablo), donde se exhibirá hasta el 9 de noviembre.

“En la cama” cuenta la historia del encuentro entre Daniela y Bruno, dos jóvenes que ligan ocasionalmente y terminan en un cuarto de hotel. Terminan es un decir, claro, porque es allí donde transcurre todo lo que vemos en la obra, donde hacen el amor pero también juegan, se pelean, se descubren y se animan a abrirse al otro como no lo habían hecho anteriormente con nadie. Tal vez el punto más flojo de la trama sea que el momento emotivamente central de la obra tarda demasiado en llegar; pero de todos modos nunca aburre, siempre mantiene al espectador atento, un poco cumpliendo el sueño voyeur de permitirle lícitamente meter un ojo por la cerradura de una habitación.

La presentación de la obra en Madrid –la temporada para “En la cama” comenzó el 30 de agosto en Jaén y siguió este mes con una docena de funciones en Donostia y Valladolid– acabó con largos aplausos para los actores, que llevan muy bien la tarea de darles cuerpo a los protagonistas: un chico y una chica de lo más común que viven una historia que a veces también puede ser común, aunque no por eso menos intensa. Y que dejará a más de uno pensando sobre hasta dónde vale la pena desnudarse (literal y figuradamente) con alguien que sólo se cruza en el camino de uno, con alguien en cuyo camino uno sólo se ha cruzado.

Sitio oficial | En la cama

El famoso caso de brujería que inspiró la obra clásica de Arthur Miller (que establecía una analogía con la famosa caza de brujas del senador McCarthy) fue un episodio de histeria colectiva que repercutió profundamente en la historia de Estados Unidos, ya que limitó la influencia gubernamental de los puritanos, muchos de ellos fanáticos que habían abandonado Europa con destino al Nuevo Mundo con el objetivo de establecer en América una sociedad de santos.

Los habitantes de Salem (hoy llamada Danvers), una pequeña población a 25 kms. de Boston, de religión mayoritariamente puritana, creían en la existencia del Diablo, los demonios y las brujas tanto como en la de Dios, los ángeles y los santos, y estaban convencidos de que las fuerzas del mal se hallaban presentes en la tierra y perseguían la destrucción del estado puritano. Además, estaban sometidos a una gran presión:  Habían sufrido una mortal epidemia de viruela, temían un ataque de las tribus indias -en pie de guerra en la región- y se disputaban entre sí las tierras más protegidas y fértiles a raíz de un crecimiento demográfico que estaba reduciendo los patrimonios familiares. Para colmo, la población se hallaba dividida a causa de la ambición personal del reverendo Samuel Parris, un clérigo llegado a Salem Village a finales de 1689 procedente de Boston donde, un año antes (1688), se había producido otro espectacular caso de brujería que difundió los síntomas que podían revestir las posesiones diabólicas. Dos años después, pretendió convertirse en el párroco titular de la aldea (lo que incrementaría su sueldo), por lo que algunos feligreses dejaron de contribuir a su manutención, mientras que otros, encantados con su rigidez puritana, le apoyaban vivamente.

Fueron precisamente su hija y su sobrina, Bety y Abigail, dos niñas de 9 y 11 años, las primeras en presentar los síntomas de histeria que después se extendieron como una mancha de aceite y llegaron a afectar hasta a 15 muchachas. Como detrás de toda brujería tenía que haber una bruja, las niñas acusaron en un primer momento a una esclava caribeña del reverendo Parris llamada Tituba que, para entretenerlas, leía en las claras de huevo para ver quién sería su futuro marido. Fue detenida, encarcelada y torturada y no tardó en admitir su culpa (lo que la libró de la horca). A continuación las niñas acusaron a Sarah Good y Sarah Osborne, dos mujeres pobres y de mal carácter, que nunca iban a la iglesia, que también fueron arrestadas e interrogadas. Durante la primavera, las niñas no dejaron de denunciar a vecinos. Se trataba generalmente de gente indefensa o que despertaba antipatía en el resto de la comunidad. Sin embargo, con el correr de las semanas a esta clase de víctimas se sumaron otras. Desde simples niñas (como Dorothy, la hija de Sarah Good, de apenas cuatro años) a personas de reputación intachable (incluyendo a clérigos o a descendientes de los “padres peregrinos” del Mayflower), aunque en éstas se podía reconocer un denominador común: sus conflictos con las acusadoras o con sus familias, todas ellas pertenecientes al circulo de influencia del reverendo Parris.

Ante el escándalo provocado por el aumento del número de encarcelados (que llegaron a rozar los dos centenares), el prestigio cívico de muchos de ellos y las contradicciones entre las jóvenes denunciantes, el gobernador de Massachussetts instituyó un tribunal especial compuesto por siete jueces que aceptó como pruebas las llamadas evidencias espectrales, es decir, la convicción de que los acusados,gracias a un pacto con el Diablo, actuaban contra las niñas a través de sus espíritus aunque se encontraran a Kms de distancia.

Este y otros defectos judiciales condujeron a un terrible resultado: Se ejecutó en la horca a 14 mujeres y 6 hombres, sin contar a los que murieron en la cárcel, entre ellos la pequeña Dorothy Good o Giles Corey, un viejo granjero que se negó a confesar hechicerías pese al tormento, por lo que el tribunal ordenó aplicar al anciano una “pena dura y fuerte”: Se le colocaron piedras cada vez más pesadas sobre el pecho durante dos días hasta que murió literalmente aplastado.

Al final se impuso el sentido común. En el otoño de ese nefasto año, el gobernador de Massachussetts decretó que las evidencias espectrales no podían aceptarse como prueba, disolvió la corte local y mandó liberar a buena parte de los procesados. También nombró un tribunal superior que para comienzos de 1693 había excarcelado al resto de los imputados, acabando así con la caza de brujas.

Sin embargo, pasaron décadas y incluso siglos antes de que pudieran repararse algunos de los daños causados. Aunque algunos presos salvaron la vida, perdieron sus propiedades y las cantidades que se les abonaron como compensación material y moral fueron irrisorias. De hecho, hubo que esperar hasta el año 2001 para que los descendientes de seis ajusticiados obtuvieran una disculpa en toda regla por parte de las autoridades de Massachussets.

Algunos historiadores atribuyen esta histeria colectiva al consumo de centeno enmohecido (que tiene efectos similares al LSD), a secuelas mentales de la viruela o que las niñas poseídas padecían el síndrome de Huntington (un desorden neurológico que se ha detectado por ADN entre los puritanos de la época), aunque lo mas probable es que se tratara de un cóctel fatal de intereses creados, injusticias sociales, incertidumbre política e intolerancia religiosa, tal vez acompañado por los problemas clínicos o psicológicos de algunos.

En todo caso, el episodio da pie, en la lectura hecha por Miller, a una reflexión sobre la justicia y la condición humana: Hacia el final de la obra te das cuenta de que el tribunal es el único que cree que el Diablo ha puesto el pie en el pueblo; los demás siguen la corriente por avaricia, envidia, odio o, simplemente, por temor a ser los siguientes de la lista…

Elena (Maribel Verdú) está casada con Ricardo (Javier Cámara), que vive escondido debido a la persecución ideológica a la que se ve sometido el país. Pero sus problemas no acaban ahí, Salvador (Raúl Arévalo), es un diácono con dudas sobre su vocación obsesionado con Elena, a quien él cree viuda.

Cada vez que Elena echa el cerrojo de la puerta de su casa deja fuera el miedo e intenta vivir su vida, interrumpida a cada nuevo timbrazo. Al mismo tiempo que sortea los rigores de la posguerra, Elena levanta junto a su hijo Lorenzo una fachada de apariencias para ocultar la verdad sobre su familia: su hija Elenita se ha fugado con su novio Lalo, un joven que lleva meses en las listas de la policía.

Cuerda aseguró no haberse sentido nunca antes igual en un rodaje. Explicó que los actores le dieron total libertad: “No me callé nada con ellos y espero que ellos tampoco lo hicieran”

Sobre la película, en la que coparticipó con Rafael Azcona —fallecido el pasado 24 de marzo— en el guión, dijo que no enfrenta el bien y el mal, porque todos los personajes tienen un momento de bondad o sabiduría, “pero sí trata de las normas y costumbres que hacen que el mal quede impune y amparado por la ley, las costumbres y la iglesia”, agregó.

 ”Con Rafael Azcona, tanto escribir guiones como pasar una tarde o comer, resultaba siempre fácil porque era una persona encantadora, de una bondad y de una inteligencia infinitas. No creo que haya nadie en el mundo que sepa más de escribir guiones que Rafael”.

En cuanto a los escenarios, la ciudad cumplía todos los requisitos: “el contraste entre la solidez exterior y la fragilidad de las historias del interior”. Centrados en el casco histórico, los monasterios de Oseira, Montederramo y San Clodio, y el bosque de A Peroxa,  “la piedra aportó claroscuros y una superficie dura al ambiente”. También se refirió a detalles técnicos y agradeció al director de fotografía que le permitiese trabajar con dos cámaras a la vez, “a pesar de que eso complica la iluminación, pero compensa porque facilita mucho el montaje y permite aprovechar toda la expresividad del mejor momento de los protagonistas”, subrayó.

Tampoco se olvidó de todos los que participaron junto a él en este proyecto y, en concreto, mencionó a Maribel Verdú, de la que dijo que es “la mejor actriz del mundo” y que así se está reconociendo. En general, del reparto apuntó que son “personas maravillosas y actores óptimos”.

Hace días que terminé el libro y tenía curiosidad por saber si estaría bien adaptado. La película sólo abarca un relato de los cuatro del libro, el último y parte del segundo. La fuerza que tiene este segundo relato no está reflejada en la película. Con lo cual, según mi opinión, sobran escenas de éste. Sólo dos momentos, harían falta para comprender el desenlace final: la despedida de la hija y la noticia en la prensa para conservar la unidad de la trama principal.

Estos dos detalles bastarían para, como hace el autor del libro, Alberto Méndez, enlazar un relato con otro de forma casi imperceptible, pero que al terminar el libro el resultado es una obra completa.

El hecho de que los guionistas hayan decidido mostrarla así, tiene seguro sus exigencias, sin embargo, he querido manifestar mi opinión porque es de las películas que, estando basadas en un libro, es conveniente leer éste después para completarla y, necesario, para conocer al autor y admirar su forma de narrar.

Paquita era una pimpolla que resucitaba a un muerto. No es por echarme flores, pero desde que llegó al pueblo decían que bebía los vientos por mí, vamos que la tenía en el bote. Yo, que nunca fui un Adonis, me dije: Ramiro, Ramiro, ándate con ojo, que aquí hay gato encerrado. Era tan guapa y tan joven…  Por supuesto, hubo alguno con muy mala baba que dijo ‘a la vejez, viruelas’, pero yo hice oídos sordos y seguí defendiendo mi relación a capa y espada.

¡Qué tiempos! Recuerdo que nos íbamos de parranda un día sí y otro también.  Acababa hecho un trapo; no tenía el cuerpo para esos trotes. No obstante, continuamos erre que erre. Luego, solíamos pelar la pava en el portal de mi casa. En fin, ella decía que quería seguir mocita hasta el casorio. Pero después de dos años de esta guisa se me hincharon las narices y le dejé las cosas claras y el chocolate espeso: -Mira, Paquita, o nos casamos o te vas a hacer puñetas-.  Se puso más suave que un guante. Nos casamos. Y llegó la noche de bodas. Por fin, cuando todo estaba saliendo a pedir de boca y yo estaba más caliente que el palo de un churrero, le metí mano y…  Me di cuenta de que Paquita tenía un soldado, qué digo, un capitán general, que ganaba todas las batallas de sus noches en vela.

Aquel día tomé las de Villadiego y me marché de allí como alma que lleva el diablo. Desde entonces ando con la mosca detrás de la oreja, no pongo la mano en el fuego por nadie y antes de que me den gato por liebre, me apunto al sacerdocio.”

 Esta historia -que podía ocurrirle a cualquiera- más que relato podría ser una resurrección del lenguaje popular.  Sí,  amigos.  Porque con tanto i-pod, mms, dvdix y sobretodo “no tng sald”, nuestras frases hechas y nuestro español de toda la vida se está empobreciendo, empequeñeciendo y yo no sé si acabará por difuminarse entre los velos de la globalización.

Haced la prueba y escuchad una mañana cualquiera cómo hablamos. Con seguridad estaréis rodeados de “emails”, “chats”, “messengers” y “pdas”.

Además de la sustitución de vocablos españoles por anglicismos, nuestra lengua está menguando por la pérdida de las buenas formas. Por ejemplo, si no podemos pasar por un pasillo repleto de gente, con un empujón o un ¿puedo? dicho con un tono agresivo todo solucionado. Eso de ¿me permite pasar, por favor…? ¡Uff!, es demasiado largo.

Cuando nos marchamos de un lugar conocido decimos el consabido “chao” y ya es un esfuerzo. O un “aesta lugo” ya que la “e” casi no se oye. Luego están los que ni se despiden. Yo propongo desenterrar el maravilloso “vaya usted con Dios”,  sustituible por Alá, Buda o lo que se tercie. En fin, antes de alterarnos más de lo debido, analicemos el porque de esta miseria que nos rodea.

Si comenzamos por citar el excesivo uso de anglicismos, echarle la culpa de todo a la tecnología es lo más fácil. Los aparatos sugieren pero no imponen el nombre con el que debemos llamarlos. Así si recibimos un “email” deberíamos hacer un esfuerzo -no tan ímprobo- de cambiarlo por “correo” que es la traducción correcta. El famoso “emilio” por muy gracioso que nos resulte, no es la solución.

En cuanto a las “abreviaturas inventadas” hay que decir que se llevan la palma los mensajes de texto de los móviles. Claro, como debemos pagar más por cada carácter que sobrepase un mensaje entonces acudimos a expresiones como “qtal” (qué tal), “xq” (porque), “cm” (como), “tb” (también), para economizar y poder enviar más información. Dicen por ahí que esta costumbre es propia de los adolescentes pero yo ya he visto algún cincuentón rejuvenecer con el “xq no viens”.  A propósito de jovenzuelos, si por escrito “economizan”, cuando hablan son la repanocha pero aquí voy a romper una lanza por ellos.

En general, frases como “estás rayao”, “el insti”, “estar petao”,  son propias de los muchachos de quince, o diecisiete años. Podemos decir que hablan así porque “es la moda” o por vaguería pero yo me arriesgo a asegurar que lo hacen por ser aceptados en el grupo, ya que compartir expresiones une mucho, como utilizar la misma indumentaria, beber y fumar para “no ser distinto”.  En este caso el lenguaje se convierte en una cuestión social de vital importancia pues supone estar dentro o fuera de un colectivo.

Por otro lado, la teoría nos dice que su vocabulario está en relación con su nivel socio económico y geográfico. Pongamos por ejemplo Madrid ¿quién habla mejor: un chico del sur o un chico del norte?  Por cierto, ¿qué es hablar mejor? no comerse las desinencias en -ado, -ido, no decir tacos, usar latinismos, no inventar abreviaturas, citar a Quevedo, vocalizar, no comerse las eses finales, diferenciar la “ll” de la “y”, saber utilizar las perífrasis…  Seguro que aquí más de uno ha colocado la palabra “pijo” o “barriobajero” en función de si cumplen o no estos requisitos. Entonces ¿quién habla mejor:  Tamara Falcó o Belén Esteban? ¿el fallecido Fernán Gómez o el Luismi de Aida…?  

Parece fácil la respuesta pero yo no lo veo tan claro. Unos tienen más “carrera” y otros más “calle” y esa circunstancia les hace tener registros diferentes pero no son mejores ni peores: ambos son correctos dentro de su parcela, de su argot. Por eso yo prefiero preguntarme “¿quién tiene más riqueza del lenguaje?” en lugar de “¿quién habla mejor?”. Así, a más registros dominas más rico eres en lenguaje.

Imaginad a el Luismi hablando con Marichalar y a la Preysler con la Esteban. ¿Cómico? Por supuesto, pero también rico y con fundamento: Sería un intercambio maravilloso de vocabulario y expresiones. Y creedme, aprenderían todos de todos.

Ya solo nos queda colocar al pobre Ramiro y sus frases hechas en alguna parte, y ver porqué se está perdiendo esta forma de hablar. No sé a qué clase social pertenece Ramiro. Os habréis adelantado a decir que es un “hombre de barrio” pero esa idea es algo arriesgada. Muchos dichos se han forjado en las clases altas. Por ejemplo: la expresión “dar un guantazo” -que nos puede parecer tan “barriobajera”- se la debemos a la nobleza. Cuando querían retar a un caballero usaban sus guantes para abofetearle. “Le ha dado con el guante, le ha dado un guantazo”. Así que los que no quieren usar estas expresiones porque las consideran burdas o bastas, deberían reflexionar. (Otro debate sería el porqué hay que avergonzarse de ser de una clase baja o de “un barrio bajo”).

Luego están los que las consideran “expresiones de viejos” y por lo tanto no encajan en su argot juvenil. ¿Qué hacer con ellos? Tan sólo transmitirles que hay otras formas de expresar lo mismo y que cuando se envían “mss” aunque no le crean “también pelan la pava”.   Cuando salen los sábados por la noche “se van de parranda” y cuando piensan que están enamorados “beben los vientos” por alguien…

En definitiva tal vez estemos a tiempo de recuperar estos dichos. Yo los no coloco en “vulgares” o “anticuados” si no en un trozo de historia y cultura que debemos esforzarnos por recuperar.

A todos los profesores de español y lengua que arriman el hombro y echan una mano en esta tarea. Va por ustedes. Valéis un Potosí.

Ocurrió en los ultimos días del rodaje de la película Proyecto Brainstorm; Natalie invitó a su compañero de reparto, el actor Christopher Walken, a cenar en su yate, el Esplendor, fondeado frente a la isla Catalina, muy cerca de la mansión de la actriz.  Hay quien dice que se trataba de una fiesta para celebrar el próximo debut en el teatro de Natalie Wood, una auténtica orgía de más de treinta personas en la que corrieron el alcohol y las drogas, pero oficialmente solo estaban Natalie, su marido Robert Wagner y Christopher Walken, aunque sí es verdad, según los informes policíales, que en la reunión consumieron alcohol a destajo.

En su autobiografía, Wagner reconoce que sentía celos de Walken. Natalie era conocida por sus aventuras extramaritales y su marido estaba convencido de que le era infiel con Walken que, al contrario que Wagner, cuya carrera estaba en declive, era una estrella en alza por sus interpretaciones en películas como El cazador o La puerta del cielo. Parece ser que los dos discutieron y que Wagner llegó a romper una botella de vino sobre la mesa.

 Sin embargo, segun declararon los dos actores y el capitán del yate, después de cenar, cuando ya habían decidido abandonar el barco y dormir en un hotel cercano, Natalie se retiró a su camarote y dejó solos a los dos hombres, que continuaron bebiendo y charlando hasta la medianoche, cuando Wagner se dio cuenta de la ausencia de la actriz y del pequeño bote de remos de la embarcación. Fue entonces cuando avisó a la patrulla costera de la desaparición.

La hipótesis de Wagner es que el bote se soltó y que la actriz, que oyó como golpeaba contra el casco del yate, trató de amarrarlo y cayó al agua. La versión oficial dice que cayó cuando trataba de saltar a él.  Algunos creen que Natalie,  que siempre se sintió desgraciada y ya había intentado suicidarse en varias ocasiones, se tiró al mar. Otros, que fué Robert Wagner, borracho y furioso, quien la lanzó.  

En cualquier caso, los allegados de Natalie encontraron raro que estuviera sola en un bote a medianoche, ya que era notoria su fobia a las aguas oscuras, debida a las predicciones de una vidente china que, antes incluso de su nacimiento había revelado a la madre de la actriz que ésta «tendría una vida llena de triunfos y éxitos, pero su muerte sería enigmática y temprana; una muerte en aguas oscuras».

 ¿Por qué es tan difícil que te guste una película si antes has leído el libro en el que se basa?

La fascinación que ejerce sobre nosotros una buena novela podemos compararla a la que siente el arqueólogo al encontrar un fragmento de cerámica. A partir de él puede imaginar una totalidad. Cuando esa historia es trasladada a la pantalla puede no ser la imaginada por nosotros o puede completar lo leído y a veces mejorarlo. Buscar la geografía íntima de Virginia Woolf, después de leer su novela Orlando, es un acicate que nos puede llevar a visionar la película. La casa de 365 habitaciones de Orlando no es otra que Knole, la mansión familiar en la que había nacido (1892) Victoria (Vita) Sackville-West, poetisa y cómplice de la novelista.

Virginia recrea en las páginas de este libro la historia de esta mujer, sus ancestros y su personalidad. Vita se casó en Knole con Harol Nicolson, con quien compartiría 50 años de un matrimonio cómplice, ambos homosexuales. Pero hubo de abandonar la mansión familiar por lo que ella con sorna definía como un “fallo técnico”. Al morir su padre, la herencia de la propiedad continuó por línea masculina. Y Knole pasó a manos de su tío. Virginia en su novela hace regresar a su personaje a la casa, era una manera de desagraviar a su amiga.

Orlando, es la historia de un ser andrógino, que nace niño y tras diversos sufrimientos se convierte en mujer. Alter ego de su amiga Vita, con quien Virginia mantuvo un intenso amor. Vita se nos presenta a través del personaje como un ser delicadísimo, que sufre transformaciones a cada golpe. En cambio, Virginia es el ser poderoso, justo lo contrario de lo que representaban en la realidad. Virginia Woolf dedicó la novela a Vita. Y Vita Sackville-West dedicó a Virginia su poema Sissinghurt. Nombre del singular jardín creado en 1930 por Vita y su marido. Un jardín que a su vez dividieron en zonas independientes pero enlazadas. De este modo cada una de las  partes tenía su propio carácter y su particular belleza.

La relación de las dos escritoras acabó en 1935. No obstante cuando las bombas ya caen sobre los Woolf, alrededor de 1940, Virginia recibe un agradable y comestible regalo de la granja de Vita, a quien escribe una carta agradecida.

Todo cuanto puedo decir es que cuando descubrimos la mantequilla en la caja hicimos que la familia -es decir Louie- entrara a mirarla. Es una libra entera, dije…Has olvidado como sabe la mantequilla. Por tanto te lo contaré: es algo entre rocío y miel. ¡Felicita a las vacas de mi parte!…No creo que nada me parezca importante excepto esto. Es cierto que todos nuestros libros llegan de la casa en ruinas mañana: maltrechos y llenos de moho… pero son menudencias. Caen bombas cerca… tonterías; han derribado un avión en el pantano: tonterías; malditas inundaciones… no, nada parece una corona de laurel apropiada en el pedestal de tu mantequilla…

Virginia después de dar sus flores más bellas en sus páginas se hundió y Vita, la jardinera que la había regado en su momento de mayor esplendor, se fue con sus perros y su eterno Sr. Nicolson a su castillo en el condado de Kent donde seguiría plantando y trasplantando, escribiendo y segando, dando cenas, luciendo perlas y recibiendo a sus amigas hasta el final de sus días, en 1962. En el castillo, que se puede visitar en el condado de Kent, la habitación que fue de Vita permanece inalterable. Sobre el escritorio hay una fotografía de las hermanas Brontë y un retrato de Vrginia Woolf.

 

Dos películas con protagonistas femeninas en las que la maternidad juega un papel bastante importante. Es curioso cómo, pese a las similitudes, difieren muchísimo. Por lo general, debo comentar que me fastidian mucho las películas en las que la maternidad aparece como la finalidad que toda mujer debe peseguir en su vida; lo mismo que las películas que muestran a la mujer con un único objetivo: conseguir un hombre.

No digo que ambas cosas no sean importantes para nosotras, incluso esenciales. Pero ¿es lo único a lo que estamos destinadas?

Según la película El atardecer es así.

No me entendáis mal, la película está bastante bien. Un poco azucarada, pero bien dirigida, bien interpretada, con dos parejas de actrices madre-hija en la realidad: Vanessa Redgrave y Natasha Richardson, por una parte, y Meryl Streep y su hija, la también actriz Mamie Gummer, por la otra. Trata sobre una mujer, Anne, que, en los últimos momentos de su vida, recuerda a su primer (y gran) amor, Harris. Que también lo es de dos personajes más: su amiga Lila y el hermano de ésta, Buddy.

Así, la película trancurre en dos épocas diferentes, el pasado, con el conflictivo triángulo amoroso (o cuadrado, más bien), y el presente, con los problemas de las hijas de Anne. Aparte de porqué no se acaba de entender porqué esos tres personajes están tan enamorados del soso de Harris, la película sigue la carrera de cantante de Anne, abandonada por esta cuando tuvo a sus hijas. Y ahí empezamos.

También una de sus hijas actuales está pensando si casarse con el hombre equivocado, porque está embarazada y la concusión final es: no importa abandonar tus sueños y esperanzas en la vida. Basta con tener hijos.

Por otro lado, tenemos otra película en cartelera, La camarera, protagonizada por Keri Russel (más conocida como la televisiva “Felicity”). Ella es “la camarera” del título, que acaba de descubrir que está embarazada, pero su marido es celoso patológico y firme candidato a maltratador. Sin embargo, ella no se decide a abandonarle, y no desea ese hijo.

La película tiene unos secundarios maravillosos, en especial sus compañeras camareras. Una de ellas interpretada por la propia Adrienne Shelly, la directora del filme, lamentablemente muerta hace un año. Viendo las dos películas en comparación, no hay color. La camarera está tratada con un mimo y un cariño que se hace irresistible; el guión tiene giros absolutamente inesperados, diálogos inspirados, personajes inolvidables. Si El atardecer aprueba, La camarera lo hace con nota.

Y más aún, el mensaje final. Por supuesto, la maternidad va a cambiar a la protagonista, pero no para olvidar quien es y hacer girar su vida sólo en torno a elllo, sino, al contrario, para encontrarse a sí misma y ser dueña de su destino.

Aún así, la pregunta sigue ahí: ¿estamos tan marcadas por los roles a los que nos relegó la sociedad en el pasado -esposa y madre- que no podemos sentirnos completas sin ellos?

Las películas ¿reflejan como somos en la actualidad o potencian roles antiguos?

No digo más, os cedo la palabra.